《画家之眼》读书笔记

图书信息：

书名：画家之眼 作者：[美]安德鲁·路米斯 出版社：北京联合出版公司 出品方：磨铁图书 原作名：The Eye of The Painter And The Elements of Beauty 译者：陈琇玲 出版年：2016-12-1 页数：268 定价：39.80元 装帧：平装 ISBN：9787550292710

前言：艺术的起源与美的追寻

艺术可以是生活的一部分：要把各种艺术形式都包括在内，不要被传统形式限制。让画家获得更多的自由。

捕捉美是一种挑战：艺术形式会过时，但基础知识不会。美就是取悦人。美无所不在，但捕捉美是一项困难的挑战。

画家的诠释能力：画家的诠释方式是创作成败的关键。每个人都有自己独一无二的方式，都可以自由创作。

具象？或抽象？：缺乏知识的创作有被彻底误解的风险。应该先打好基本功，再决定要走什么方向。

美取决于感官：通过学习基础知识来探索美，研究美的成因，强化本身的内在信念，从而形成自己的个人风格。不要被别人的成见所影响。

美的十二项基本要素（全书纲要）：统合感；简洁或清晰；设计；比例；色彩；韵律；形体；质感；明度；光感；主题的选择；技法。任何人都能发现美，但画家能找出其中的条件，让自己的描绘具有说服力。

善用创造力与想象力：现在市场给画家提供了新的通路，好的艺术作品不怕没有好行情。画家应专注于照相机无法做到的事——设计。

总结：探索原理，自由表达。

Chapter 1.透过画家的眼睛去观察

以画面的观点观察：重点是画面，不是技法。不要被技法限制。我们要训练眼睛从整体去观察，从中找出图案和设计。不能像相机一样巨细靡遗地记录一切。先画小草图是好习惯。

好画作的首要法则：块面明度与色彩。忽略细节，看整体的块面明度与色彩。虽然一般都从轮廓开始，但也可以尝试先从块面开始。

测量视线范围：视锥。写生中所画的是整个风景圆盘中切出的一块三角派。

训练眼睛观察三维物体：想象物体被一个方形的盒子包裹，有助于画出透视。

画面即结果：每个人天生就有平衡感与秩序感，但敏感程度因人而异，要靠实验来培养这种感受。我们看到的画面都是结果，而我们要去寻找这个结果的成因。

画面编排与分群：大自然的素材过于丰富，我们要学会取舍和重新编排，不要照单全收。

观察个体与众不同的特征：了解一些被广泛接受的事实规律，并用自己的眼睛去证实，从而锻炼自己的观察能力。同一类物体中，每个个体都有区别。我们要观察这种个体的特别之处。

总结：要用各种方法培养、锻炼自己的观察能力。

Chapter 2.该画什么？

为自由创作做准备：商业作品和自由创作完全不同，要为原创做准备。流行的商业风格会过时，但是个人对美的追求永远不受限制。

如何寻找绘画主题：建立感兴趣的主题档案，并为之收集资料。用速写和标注记录自己中意的景色，放入档案。实物写生、参观画展等。不要等可以随心所欲的时候发现无事可做。

最具“说服力”的具象表现：越简洁越容易有说服力。考虑到观众从远处看也能达到目标效果。

抽象构图的实验方法：从抽象图案开始尝试，从中寻找灵感。用一些随机手法尝试抽象设计。

随时留意好题材：用取景框找出自己感兴趣的部分，也可以取照片的色彩来自己设计抽象图形。人类的情感、职业等都可以是主题。如果技法不是障碍，情感就能成为创作的动力。

好看的作品VS美的作品：美无所不在，用心找就能发现。单纯的“好看”没有内涵，“美”要以事实为依据。

总结：留意身边的美，发现抽象的美，用有理有据的技法表达出自己的情感。

Chapter 3.统合感（unity）

使画面产生关系与平衡：明度对比，线条韵律。

好画作具备“一致性”：主题一致，光源一致，风格一致，设计一致。一致性只是好品味和常识。

恰到好处的创作：不要把每个细节都画出来，重点描绘中心部分，其他地方留下未完成的美感。从整体入手就能很好地做到这一点。

总结：注意画面中各部分之间的关系。

Chapter 4.简洁（simplicity）及如何化繁为简

在小草图中展现主题：合适的题材放到小草图中也能恰当表现。如果细节缺失就无法表达，说明题材不合适。

简化眼前所见，或挑选简单的主题：只画眼前的景象，而不是往画面里塞太多东西。或者提取景象的精髓，而不是照搬照抄。

整体与焦点：观察取景和实际执行是两个不同的过程。执行的过程中可能会因为关注细节而忘记初心，要想办法去掉这样的碍事细节。分析简化的能力是一点一点积累出来的。

化繁为简的方法：把图案或色调当成平面看待。去掉复杂的小平面，减少锐利边缘，减少明度数量。

总结：减少不必要的细节，保持最初的感觉。

Chapter 5.设计（design）

设计的用意：设计牵涉到形状、平面、色彩和质感的简化。设计用来强调和美化环境。

主题的处理可能比主题本身更重要：主题不会过时，但处理方法会过时。画家的态度应与时俱进。也有一些不变的简单规则。

为观众设计一条观看的路径：视线引导。刻意制造视觉路径。

布局是吸引目光的绝佳武器：注意区分主次。不要把重要物体放在正中间。

情绪震撼力：每样事物都会带来感受：每个主题都给人不同的感受，不同表达方法也对应着不同的感受。同时注重主题的特征和描绘的特征。

“设计”比构想或主题更为重要：任何主题都能做出有趣的设计。分析大自然，依据目的和功能来设计。

总结：设计就是处理方式。处理方式应该与主题相对应，但也要有自己的创新。

Chapter 6.比例（proportion）

画家创造的比例：用各种方法（打格子之类的，用正方形进行测量）找出轮廓线，然后小心检视结构。

描绘VS绘图：描绘时注重轮廓，作画时注重物体和色彩。画抽象画时更依赖感受而不是眼前所见。比例不准也可能成为艺术，艺术不全仰赖描绘。可以先绘制真实比例，再在此基础上重新设计，自由诠释。

比例的表现性：使观众耳目一新：为了有表现性，要运用一定的失真。要审慎运用失真，就需要具备准确还原的能力。

事实协助我们理解更广大的事实：将事实与创意结合。比例与韵律、设计、特征和统合感密切相关，应该从各个角度来处理。

总结：艺术来源于生活（准确是基础）又高于生活（需要加工处理）。

Chapter 7.色彩（color）

用三原色达到美的极致：明度比任何要素更能掌控色彩。很多颜色要用基本颜色混合出来。颜料的材质会影响混色效果。只用一种原色比用两种看起来更协调。颜色太多会造成色彩缺乏统合感和协调感。破色：可以用同样明度的补色来让画面变灰；或者用邻近色来增加彩度。不管怎么样必须搭配明度。

实验色彩的方法：？？？

色彩协调是画作成功的关键：三原色基本不相关，会彼此抗衡，因此不能让三者力量均等。可以整体偏淡偏灰，其中一部分特别缤纷鲜艳。色彩平衡表示寒、暖色搭配得宜。要形成平衡就要有对比。不要一块一块画，要从整体铺色再细化。要等色彩一起出现，才会知道明度是否正确，饱和度和对比度是否恰当。

特别注意：阴影的颜色：不要给亮面加白，要保证亮部的纯色明亮、纯粹，阴影部分则增加补色或中间色。

光与色彩的关系：画阴影时最好色彩浓度高一些，颜色暗一些。后续也可以变淡些，让明暗之间建立关系。受光表面会有一定数量的光晕，是反射光照到空气中的尘埃的效果。将色彩跟环境建立关系，跟周遭区域形成统合感。总之就是反光。

用色彩形成焦点：越是主要人物或物体就越亮丽。不是说物体整个都亮丽，而是一部分应成为焦点。在色块边缘增加一点相近色，就能让色块本身的色彩明亮许多。

总结：明度、冷暖、鲜艳程度的对比与平衡。也要用反光制造统合感。

Chapter 8.韵律（rhythm）

找出线条的主要方向：韵律就是重复线条的流动，隐藏的动态，运动or生长规律。不能只有曲线和动态，要曲线和直线巧妙组合，动静结合。应该练习把题材分群，将主题的图案巧妙结合，边缘流动交织在一起。

明度与色彩的韵律：明度和色彩的渐变和重复。可以尝试感受手拿着笔在纸上运动的律动。

韵律来自情感，情感产生力量：韵律通常依靠感受获得，而非眼见所得。色彩要有一定顺序。不能单调地重复，要以大小、团块、色彩、明度或其他任何方法产生变化。画面的韵律不是实际动态的再现，而是画家的暗示。

总结：韵律总是和时间有关。是动态的，不是静止的。不是双眼所见，而是对画面的感受。不是对实际动态的再现，而是人的情感暗示。韵律让画作有了生命。

Chapter 9.形体（form）

写实的形体VS变形的形体：形体可依据真实或幻想而产生。我们见到的形体其实是双眼与脑部的幻觉。形体可以利用“完全写实”或“刻意变形”重新设计。

如何观看形体？：写实风格仰赖对光影的正确诠释。不同的光源有不同的效果。画作的好坏未必体现在轮廓与细节，而在于主题被看见的方式。不同主题需要的处理方式不同，有的画也需要精准描绘。画家要做自己，按照自己喜欢的方式作画。每种物体都有其可辨识的特性，要让自己的画有说服力。

形体的理想化：形体的理想化可能让物体失去重要的特征，可能这个特征比想要“改进”的效果更美。但理想化未必是变漂亮，可能是简化。

总结：形体可以遵循视觉或者幻想，这取决于画家的处理方式，但要注意物体本身的特征。

Chapter 10.质感（texture）

质感的暗示：质感与物体表面特征密切相关，与形体无关。质感可以用暗示来表现，即遵循光线和色彩对物体质感产生的效果。

个人品味的养成：质感和其他美的要素一样，与个人品味有关。每位画家都以自己独特的方式创造质感。当画家发现自己可以这么画，这种技法就会成为个人习惯和个人风格。可以持续地实验，经常做一些改变，发现有趣的新技法。

总结：尝试用各种方法表现不同的质感，每个人都有自己独特的方式。

Chapter 11.光的明暗（values of light）

栩栩如生的秘密：光线是画作特质的决定性因素，明暗让画作变得栩栩如生。我们要分析描绘主题，阴影比亮部暗多少，设定从亮到暗的明度阶。

特别注意：阴影里的反射光：反光为阴影提供亮度。阴影原本的明度大多留在明暗交界线。有时反射光甚至比亮部来得亮。

亮部与阴影之间：依据黑白之间的明度阶，建立自己的明度阶。颜料的明度无法做到自然界那么亮，但是也要找出最亮到最暗之间的关系，按照那个顺序去画。只要明度的关系和顺序对了，就能表现出真实的光感。

猎光：距离光源越近，亮部越亮，阴影越暗。漫射光中，明暗变得柔和，质感也较不明显。光源太多让光线产生混合，也会产生漫射。相比之下单一光源就会产生比较立体的形体。除了光线的集中与漫射外，光线明暗还要考虑光线本身的色彩、集中光线的亮度、光源方向等。

总结：把光的明暗关系画对了，画作就会有真实感。

Chapter 12.主题之美（beauty of subject）

感动即为艺术之本：可以是找出主题的美，可以是找本来就美的主题，但最重要的是画家能看到、表达出多少美。应选择能感动我们的主题，把我们的感受反应在画中，这才是艺术。

寻找、发现、创造：四处旅行时带着速写本和相机，记录下途中发现的值得画的主题。可以尝试从未画过的有趣事物。

以展现美为目标：人的好恶不太可能做出太大改变，不过可以受到情绪的激励。可以用技法放大美，让观众感受到加倍的美。

总结：把自己受到的感动融入画中，让观众感受到。

Chapter 13.技法（technique）

技法即风格：只能创造，无法复制：技法是结果，不是刻意为之。通常我们更喜欢别人的作品，是因为我们记得自己创作过程中的所有挫折，所以无法给予自己作品公平的评判。技法是整体手法，不是耍花招——花招很容易模仿，整体手法则模仿不来。

利用笔触构成形体：通常有两种方式处理形体：水平小笔触，垂直大笔触。不同的笔触可以创造出不同效果，可以结合多种技法来创作。除非精通基本功，否则无法发展出一套有充分根据的好技法。

基本功的难题：基本功不足可能导致的问题是，重复的修改导致技法的统合感彻底丧失，干净色彩和利落明快全部消失。画家应渐渐学会按部就班地创作，在一开始上色时就把最后想要的效果牢记于心。

每种技法都独一无二：技法是将所有美的要素集大成，因此任何两件作品都不可能在技法上完全相同。如果无法决定使用哪种技法，可以先画画习作或速写，有助于决定创作方向。创作失败十有八九是因为准备不足。

为自己找到创作的答案：真才实学不是凭空得来，而是要努力争取。我们的双眼和脑袋可以教导我们任何事。通常把知识做最好应用的人，是那些辛苦取得知识的人，而不是轻易取得知识的人。我们要懂理论，但是自己实际验证理论之前，理论毫无价值；同样，我们应不断增加理论知识，否则持续练习也没有意义可言。

总结：技法不是耍花招，是创作的统领，负责安排统合其他美的要素。理论和实践同等重要，不能顾此失彼。